Cinecritica: Toc Toc Toc

"TOC TOC TOC" ("COBWEB", ESTADOS UNIDOS - BULGARIA, 2023) DE SAMUEL BODIN

El pequeño niño Peter (Woody Norman, bien) esta en su cama durante la noche, casi en perpetua oscuridad y comienza a escuchar sonidos detrás de las paredes, incluso hace dibujos sobre ello, pero sus estrictos padres no le creen, su madre (Lizzy Caplan, bastante bien) se escandaliza y lo regaña al tiempo que ve su "imaginación" como una virtud, su padre (Antony Starr, perfecto como padre ambiguo con sonrisa turbia y cara de enojo terrorífica) apenas se muestra interesado en todo el asunto, y la maestra metiche de turno (Cleopatra Coleman, decepcionante) se preocupa más por el niño que los padres, de a poco los golpes se convierten en susurros, luego en palabras y finalmente en malos consejos que invitan a la violencia camuflada como defensa propia, esto debido a que el niño sufre bullying en la escuela por parte de todos los compañeros, pero en especial por el pequeño matón Brian (Luke Busey, adecuadamente repelente).

Con todo esto queda claro que estamos ante una cinta que usa todos los clichés del genero y podemos pensar que veremos una historia típica más de película de terror que tanto pululan, en especial con ese ridículo titulo en español que pusieron en latinoamerica, pero nada más alejado de la realidad, es cierto que hace uso de estos clichés pero siempre los aprovecha bien, el niño tímido e introvertido que sufre bullying esta bien construido y se entiende que es así por la forma en que son los padres y la voz de la pared, así como tiene un desarrollo de personaje monstruoso (nunca mejor dicho), los papas no solo se quedan en que parecen tétricos sino que en realidad tienen razones para ser así, y los dos actores que los hacen están muy bien, elevan la calidad de la cinta, el bully es usado de mejor manera, sin tratar de dar explicaciones, pueden existir humanos malos solo porque si, y aunque al final el ambiente familiar parece tener mucho que ver, con familia matona, nunca se victimiza sino que se condena.

Por otro lado el cliché de la maestra salvadora esta muy mal usado, casi no aparece, es un personaje bastante bobo, sin construcción, y parece solo existir para poder ayudar en el clímax, un desenlace por cierto que causa bastante enfado en algunos espectadores, y es que uno tiene que saltar sin red de protección ya que se pide que hagamos a un lado cierta congruencia en pos de una fabula de terror que intenta beber de las historias para niños de hace cientos de años, el diseño de producción esta bien hecho, el ambiente terrorífico es logrado, y el sonido esta cuidado, pero en especial el desarrollo de la

historia, con todas esas ideas enfermizas y turbias son lo mejor de la película, Peter no solo deja de ser dejado por esa voz, sino que comienza a desconfiar de sus padres, con todo e historia de la desaparición de una pequeña en la calle hace diez años, y cuando pensamos que ya resolvimos el misterio la historia da un vuelco, y cuando pensamos que ahora si sabemos que es, de nueva cuenta pega una vuelta, para darnos una comida tan sórdida como sangriento clímax abrazando el gore serie B, y un final que intenta dar pesadillas, y a fe mía que no lo hace mal.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica. Invencible

"INVENCIBLE" ("INVINCIBLE", CANADA, 2022) DE VINCENT RENÉ-LORTIE

Cortometraje dramático basado en una historia real sobre un problemático joven llamado Marc (Léokim Beaumier-Lépine, una agradable sorpresa) que esta en el reformatorio anhelando su libertad, una que disfruta apenas un poco con las esporádicas salidas que tiene junto a su familia, con quien mantiene una relación muy cercana, en especial con su pequeña hermana Justine (Élia St-Pierre), en medio de estas dos facetas, la de buen hermano y estudiante prometedor, también se asoma la oscuridad en ese ardiente deseo de libertad que uno entiende desde un inicio, es terriblemente peligroso para el joven.

Lo mejor del cortometraje sin duda son las fuertes interpretaciones, que están muy bien logradas, y donde se nota que cada uno se entrego de forma total a este proyecto, en especial el protagonista que aunque por momentos gesticulé demasiado, lleva el peso de la historia en su totalidad y siempre sabemos que pasa por su mente sin necesidad de que abra la boca, por lo que puede tener una carrera prometedora, y el estar basado en as ultimas cuarenta y ocho horas de una persona real que vivió esta dolorosa experiencia que uno solo puede explicar desde la inmadurez del individuo, tiene cierto impacto, en especial para los amantes de "basado en una historia real", aunque el simbolismo de fuego "estarse quemando" y el alivio del agua nunca terminen de aterrizar.

Calificación: Regular

Cinecritica: Mi Amigo Robot

"MI AMIGO ROBOT" ("ROBOT DREAMS", ESPAÑA - FRANCIA, 2023) DE PABLO BERGER

Dog vive en un Nueva York de los años ochenta que parece salido de una película de Scorsese pero habitado por animales antropomórficos, ahí el pobre Dog vive su vida de manera solitaria, cenando todas las noches macarrones con queso para microondas y viendo la televisión hasta dormirse, de tanto en tanto mira las ventanas de los edificios vecinos para notar que a diferencia de él, ellos si tienen con quien compartir el programa... y las palomitas, cuando Dog mira un anuncio sobre un robot que venden para hacer compañía toma una decisión que cambiara su vida completamente, al llegar la caja de "hágalo usted mismo" Dog procede a armar al Robot del titulo que a partir de ese momento se convierte en su mejor amigo, y con él vive y comparte todas las experiencias cotidianas posibles, sean un paseo por el parque, comerse un hot dog, mirar "El Mago de Oz" o bailar patinando a ritmo de "September" de "Earth, Wind & Fire" en una secuencia maravillosa que nos dibuja una sonrisa intocable, ojos como platos y nos calienta el corazón.

Y así viven la vida, idílicamente los dos, hasta que un día después de un maravilloso viaje a la playa Robot descubre con horror al final de la travesía que no puede levantarse, no puede moverse debido al oxido que le causo meterse al mar, la arena y el sol, Dog no puede moverlo ni cargar con él, por lo que se ve obligado a volver el siguiente día, pero cuando lo hace, ya con herramientas, descubre con horror que la playa esta cerrada hasta el siguiente año, cuidada por un gorila policía, y que no podrá ver a Robot hasta entonces, intenta varios planes pero falla en todos hasta que decide esperar, mientras que lo único que puede hacer Robot es esperarlo pacientemente, pero es aquí cuando hay un punto de quiebre, aunque Dog tiene anotado en un papel puesto en la puerta del refrigerador que no se puede olvidar de su amigo, tampoco detiene su vida, y empieza a salir para conocer gente, sea un pesadillesco hombre de nieve, o una pata con estilo.

Mientras que Robot esta condenado a solo esperar, teniendo los sueños del titulo, que lo liberan por momentos de esa prisión que es estar tirado en ese lugar sin moverse, todos ellos por cierto se tratan de volver con su gran amigo Dog, aunque tengan diferente desarrollo y final, al tiempo que lidia con unos conejos desmadrosos, unos pájaros cariñosos, un busca tesoros aprovechado y un chatarrero mal-encarado con todo e hijo indolente, solo el surrealista sueño bailable con diseño de producción a la Mago de Oz es el único sueño que se muestra muy diferente a los demás, cuando por fin llega la fecha, Dog descubre una horrible realidad por lo que se vuelve melancólico, hasta que decide que la vida tiene que seguir, al igual que Robot, con todo y "reencuentro" doloroso, emotivo, bello y triste que nos remite a tantas otras amistades y amores imposibles y maduros que no son algo malo, porque queda el recuerdo.

La animación de Berger es maravillosa, un trazo limpio pero poderoso que nos recuerda la gran fuerza que tiene la animación en 2d y que resulta imperecedera, los diseños de los personajes son sencillos pero imaginativos y tienen personalidad, la animación siempre es fluida y el diseño sonoro - sin una sola linea de dialogo - esta muy cuidado, el uso del soundtrack y su banda sonora aportan personalidad, su humor blanco siempre dibuja sonrisa y arranca de cuando en cuando una carcajada, y finalmente la historia agridulce es tan sencilla como profunda por lo que puede ser entendida - dentro de lo que cabe - por los pequeños, pero aun más por lo adultos que vemos como una amistad/amor nos

puede regalar grandes momentos y felicidad, pero que todo puede acabar, y solo queda recordar los buenos momentos, abrazarlos pero superarlos, dejar ir y construir nuevas experiencias sobre las pasadas para superarlas, sin quedarnos ciclados en el recuerdo de "September", que si alguien encuentra tus pedazos y los repara, debes olvidar el pasado, seguir adelante por mucho que duela, y construir nuevos momentos/recuerdos, un pasito de baile a la vez... y es que la vida es dolorosa, difícil, triste, solitaria, pero también muy bonita, alegre, bella y hermosa, como los sueños que tienen los protagonistas, que son sueños, pesadillas, deseos y alucinaciones a la vez, como la vida misma, porque todos hemos sido Dog o Robot en algún momento de nuestras vidas.

Calificación: Notable

Cinecritica: Knight of Fortune

"KNIGHT OF FORTUNE" ("RIDDER LYKKE", DINAMARCA, 2022) DE LASSE LYSKJAER NOER

La esposa de Karl (Leif Andrée, bien) acaba de fallecer y el tipo es llevado por un indolente y poco empático encargado de la funeraria (Jesper Lohmann adecuadamente histriónico) para que la vea, y se pueda despedir de ella, pero debido a la "amenaza" de quijada desencajada y piel amarillenta el pobre tipo no se anima a abrir el ataúd, prefiere ponerse a reparar una lampara que esta fallando, "yo podría hacerlo" le dice al encargado, después de que la riega en esto deambula por todos lados hasta que se topa con un extraño hombre llamado Torben (Jens Jorn Spottag, muy bien) que también perdió a su esposa, pero a diferencia de él es extrovertido y directo para mostrar sus sentimientos, de tal forma que aunque al inicio se muestre renuente de ver a su esposa, rápidamente se muestra parlanchín y suelto para hablar.

Pero nada es lo parece, y rápidamente Kark descubre que Torben vive su propia situación estrafalaria (ese momento con otra familia es hilarante(, y que él, aunque no lo parezca, tiene mucha suerte, por lo que solo queda aceptar la realidad de la vida misma, tener resiliencia, aceptar la amistad que el destino le esta otorgando, alguien con quien compartir su dolor, y de paso poder cantar a toda voz la canción favorita de su mujer, es decir, el "Ridder Lykke" del titulo de Rocazino que siempre le quedara para recordar a su esposa, y que en lugar de ser un recuerdo/canción triste le sirva para recordar la felicidad vivida y compartida con ella, y ahora, con otro caballero de la fortuna.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Ninety-Five Senses

"NINETY-FIVE SENSES" ("ÍDEM", ESTADOS UNIDOS, 2022) DE JARED Y JERUSHA HESS

Un hombre nos narra la importancia de los sentidos desde su perspectiva poco tiempo antes de su ejecución, lo mejor de este cortometraje animado esta en el inicio, donde el hombre llamado Coy (voz de Tim Blake Nelson dándole personalidad al personaje y al cortometraje) nos dice que su infancia fue muy diferente a las de ahora, antes vivías y disfrutabas junto a la naturaleza y había mucha interacción social, ahora solo se la llevan pegados a las pantallas, como la del celular, de donde nunca quieren separar lo ojos casi  como si fuera una adicción, de ahí pasamos a todos los sentidos, el como los siente, como los vive, cada uno mostrado con diferentes tipos de animación, hasta dentro de los segmentos, ya que cada uno fue animado por diferentes personas, la animación tiene personalidad y eso se agradece, ademas la voz de Blake Nelson es perfecta.

De la misma manera la historia de cuando era pequeño y robo, con todo y reacción de su estricta abuela, y el como cometía el delito que lo llevo a donde esta se mantienen interesantes, pero poco a poco la historia va perdiendo fuelle, como si no supieran como terminar la historia, e intentaran alargarla un poco, algo raro siendo la duración tan corta, quizá al final quisieron que todo fuera demasiado poético y no pudieron aterrizarlo, por lo menos ese anhelo imaginativo de una vida diferente si funciona, de todas formas se deja ver, se mantiene interesante, y tiene momentos que valen mucho la pena.

Calificación: Competente

Cinecritica: Carta a un Cerdo

"CARTA A UN CERDO" ("LETTER TO A PIG", ISRAEL - FRANCIA, 2022) DE TAL KANTOR

Un sobreviviente del holocausto relata a un salón de clases de chamacos desmadrosos, hacen gestos de cerdo y hasta sueltan un ¡oink!, como sobrevivió gracias a un cerdo que no le puso dedo y lo dejo vivir ahí con ellos en el chiquero casi adoptándolo, o por lo menos el lo sintió así, la mayoría se aburren y burlan, pero una pequeña niña se imagina todo vívidamente, la persecución de los nazis, y como se oculto con el cerdo para que luego un gigante cerdo violento la ataque, hasta que los judíos se unen y acaban con el, pasándolo ademas ahora como un cerdito indefenso que tienen ahi a atrapado, esperando un nuevo ataque del mismo supongo.

El simbolismo es obvio, y resulta algo aterrorizante, osea que los judíos dicen que tratan a todos gentiles así porque temen un nuevo ataque, es algo tan interesante como victimizador y contradictorio, si tratan así al cochi es obvio que atacara otra vez, es un ciclo que no puede romperse, pero lo pero es que es mostrado como si fuera algo "normal" o bueno, y bueno, las tres animaciones no siempre funcionan, pero como apunte, la visión israelita del mundo es tan interesante como aterrorizadora.

Calificación: Deficiente

Cinecritica: WAR IS OVER! Inspired by the Music of John and Yoko

"WAR IS OVER! INSPIRED BY THE MUSIC OF JOHN AND YOKO" ("ÍDEM", ESTADOS UNIDOS, 2023) DE DAVE MULLINS

Un par de soldados juegan una partida de ajedrez en diferentes puntos del campo de batalla, en diferentes bandos por supuesto, sin conocerse, pero gracias al emocionante juego intelectual se respetan y estiman, a tal punto que van sumándose espectadores poco a poco mientras el clímax de la partida se acerca, con porras, felicitaciones, tensión y aliento, todo esto logrado por una hermosa palomera mensajera que sirve como forma de comunicación, pero aun más importante, como acercamiento de la humanidad de personas que están destinadas a matarse mutuamente como enemigos sin que exista rencor ni odio de por medio, esta claro que estamos ante una historia antibélica que tiene simbolismos muy claros, por un lado la palomera que representa a la paloma de la paz, y por el otro que la guerra solo debe estar en juegos, como en algún tablero de ajedrez, a final de cuentas ni se conocen por lo que causarse daño es ridículo como nos lo dice en cierto momento Thorfinn Karlsefni.

La historia avanza por medio de una animación fascinante y sorprendente, con un sonido muy cuidado, y de la forma esperada, estos camaradas tendrán que enfrentarse y ¿aniquilarse mutuamente? lo que llega al final es tan sorprendente, tan emocionante, tan doloroso y sentimental que no tiene caso tratar de explicarlo, solo puede sentirse, y con la voz del inmortal John Lennon y su esposa Yoko Ono, y su magistral música,

solo queda rendirse ante esta muestra de talento heredado de su hijo Sean Lennon (co-autor de la historia) y producida por él junto con su madre, al final solo queda atender el mensaje del cortometraje , la guerra solo puede causar daño, y ¿por que dañar a quien ni conocemos? un mensaje tan obvio que muchas veces se olvida, y bueno, acepto que cuando comenzó a sonar "Happy Xmas (War is Over") del legendario John Lennon junto a su esposa y las voces de los niños quebré a llorar inconsolablemente, así es la música de Lennon, y asi de bien entiende su hijo sus mensajes.

Calificación: Notable

Cinecritica: Rustin

"RUSTIN" ("ÍDEM", ESTADOS UNIDOS, 2023) DE GEORGE C. WOLFE

Otraaaa biopic más que sigue las reglas de este subgénero de la manera más académica posible, dándole total importancia a la vida personal y sexual del protagonista, y con tanta corrección política que uno termina si no asqueado si exasperado de tanto buen rollismo, cuando termino tenia ganas de ver a algún héroe de acción de los ochenta soltar una linea ridícula para quitarme el espanto del cuerpo, aunque también debo admitir que esta vez por lo menos si se habla sobre el trabajo que hizo el verdadero Bayard Rustin (un esforzado Colman Domingo) para poder ayudar a la lucha de los derechos civiles, específicamente en la multitudinaria marcha a Washington de 1963, y en su caso era aun más importante que para su labioso amigo Martin Luther King, Jr. (Aml Ameen) y el jefe de la asociación Roy Wilkins (Chris Rock) quien tenia problemas con el tipo, debido a su abierta sexualidad gay y su pasada militancia comunista.

Como apunte antes, por lo menos aquí si se ve su trabajo, que si juntaba voluntarios, los entrenaba, que si contestar teléfonos, leer discursos que le escribían, enfrentar adversarios, hacer resistencia pacifica, juntar fondos, capacitar policías, ignorar enemigos, revisar la logística, y un largo etc. todo esto aunque no es buen cine si llega a resultar interesante, mucho menos lo es por supuesto sus diversos amoríos que van desde un chamaco blanco con problemas familiares apenas esbozados (Gus Halper) y un reverendo casado cobardón llamado Elias Taylor (Johnny Ramey algo sobreactuado), con todo y llamada de la mujer que parece casi sacado de un episodio de la rosa de Guadalupe, en tanto las relaciones que tiene y entabla con los lideres negros se ven de pasadita, que es muy amigo de King pero se dice, nunca se ve o se nota, que si tiene rencillas con Roy y nunca se entiende porque y se liman porque... el poder del guion, o un hechicero lo hizo.

Y la animadversión que le tiene el político Adam Clayton Powell (Jeffrey Wright casi en cameo) que nunca termina por entenderse ni por aportar algo, es decir, la mayoría de las cosas que suceden no importan, ni siquiera afectan a Rustin que nunca tiene un desarrollo de personaje, es simplemente el luchón optimista y hasta ahí, tampoco ayuda que la dirección y demás aspectos sean tan planos, supongo que el todopoderoso matrimonio Obama obligo a que fuera así para que los actores brillaran, y no lo hacen mal, aunque Domingo tampoco hace un papel sobresaliente (esta un poco exagerado y caricaturizado), más bien pareciera que los aplausos los recibe por ser gay caracterizando a un gay, es decir, más corrección política, ¿adonde vamos a parar?

Calificación: No Vale la Pena

Cinecritica: La Memoria Infinita

"LA MEMORIA INFINITA" ("ÍDEM", CHILE - ESTADOS UNIDOS, 2023) DE MAITE ALBERDI

La directora Alberdi entrego antes nada menos y nada más que la entrañable "El Agente Topo" y ahora regresa con otra entrega donde de nueva cuenta se derrocha dulce cariño en una historia de amor que en estos tiempos parece impensable por la devoción que se ve en pantalla, el documental abre con una cámara fija a una cama donde esta acostado plácidamente el periodista retirado Augusto Góngora, quien es informado por la tranquila y pausada voz de Paulina "La Pauli" Urrutia de que viven juntos, que la casa es de ambos, que ella es su esposa de hace un par de años pero llevan dos décadas juntos, que tiene dos hijos, y quien es él, un afamado periodista que en su momento, se enfrento a la dictadura de Pinochet dentro de los margenes posibles, desde este momento, queda claro que Augusto tiene Alzheimer y que poco a poco va perdiendo su memoria, y con ello su identidad, porque ¿quienes somos sin el compendio de recuerdos y experiencias que nos forjan como personas?

Este tipo de momentos - naturales y sensibles - llenan la mayoría de este documental donde vemos casi en su totalidad la interacción de esta pareja, él un valiente periodista que después paso al sector cultural, ella, una actriz que sigue trabajando y en cierto momento formo parte del sector cultural gubernamental, esto lo vemos a través de imágenes de archivo bien montadas, por supuesto que existe un paralelismo entre esta perdida de memoria de un tipo que lucho toda su vida por conservar la memoria colectiva del país, que se hace claro mientras avanza, él pierde los recuerdos que lo hacen ser él mismo, el país también olvida su pasado, pero más allá de esto, en lo personal me parece que lo más valioso de la cinta es la hermosa historia de amor que atestiguamos, con imágenes de archivo de cuando se conocieron, lo que han vivido juntos, donde se hace notoria la diferencia de edad, momentos de alegría totales que contrastan con el doloroso presente que viven.

Pero que aun así es hermoso, con una esposa abnegada que es capaz de soportar todo con tal de cuidar al amor de su vida, incluso cuando este no se reconoce a su mismo, momento doloroso donde Pauli le explica que tiene que quitar el retrato de ambos para que no se asuste al despertar, o esos momentos donde habla con su reflejo, incapaz de saber que no es otra persona, son momentos igual de dolorosos que sus ataques infantiles reclamando cosas pasadas, llamando a sus amigos, y buscando a sus hijos, mostrado todo esto en modo cronológico, por lo que somos testigos de como la enfermedad lo va deteriorando, con esos momentos de lucidez donde sufre como nunca porque es consciente de su realidad, y lo que causa en su amada esposa, teniendo siempre a su leal esposa soportando con amor, paciencia y dolor algo que es inevitable, haciéndolo participe de su vida, y acompañándolo hasta el final de su vida, como juro en el altar cuando se hizo su esposa.

Calificación: Bien

Cinecritica: Nimona

"NIMONA" ("ÍDEM", ESTADOS UNIDOS, 2023) DE NICK BRUNO Y TROY QUANE

En el clímax de esta cinta de animación nominada a los oscars, acabamos de ser testigos de una escena preciosa, el doloroso pasado de la cambia-formas Nimona (voz de Chloë Grace Moretz, bien y adecuada), es una escena con buen ritmo, con buena animación y mejor banda sonora, que muestra perfectamente los traumas y el porque la protagonista es asi, es decir, la carga psicológica que lleva, inmediatamente despues sigue el ataque a la ciudad de la misma convertida en un monstruo-sombra-kaiju y aunque al inicio pareciera la venganza de la misma, en especial por el lugar donde parece estar obsesionarse por llegar, lo cierto es que tiene un propósito muy distinto que si hemos puesto atención a la cinta no resulta difícil de descifrar, esto es claro, alerta de spoiler, un intento de suicidio, estos momentos, con una protagonista cayendo a lo más bajo y profundo de una psique quebrada, de su propia oscuridad, con el caballero caido en desgracia Ballister (voz de Riz Ahmed) entendiendo que fue un idiota, y con su pareja Ambrosius (voz de Eugene Lee Yang) descifrando cierto complot obvio mientras el desquiciado villano ataca con su ultima carta, elevan el nivel de la cinta.

Buena animación, personajes desarrollándose, momentos emocionantes, y un tema serio a tratar son características más que suficientes para darle un revisada, pero por desgracia esto sucede hasta la media hora final de la cinta, que es cuando eleva la calidad e incluso hace creer que vimos algo mejor que lo visionado, porque durante el inicio y la mitad de la película esta nunca tiene momentos álgidos, al inicio aunque se sigue de forma ágil debido a su rapido ritmo lo cierto es que nunca resulta interesante, tenemos una introducción con el pasado del mundo medieval post punk en el que vivimos, con una heroina pasada y un monstruo derrotado, y por ello viven amurallados, para después pasar a un Ballister que supuestamente intento asesinar a la reina aunque nosotros ya sabemos que fue una trampa, es decir, alguien no quiere que el chico de bajo nivel socioeconómico llegue a un puesto que se supone es de las elites, el caballero huye, se une a la adolescente cambia-cuerpos Nimona quien supuestamente es una villana autonombrada que solo desea caos y destrucción.

Juntos intentan limpiar el nombre de Ballister con la promesa de que sera amigo por siempre de la villana, descubren el complot que era super obvio, uno lo resuelve desde el primer segundo, por lo que lo más importante es la relación que se desarrolla entre ellos, la cual esta bien llevada, en especial porque la protagonista hiperactiva derrocha carisma, y porque su carácter casi sociópata amante del metal resultan muy llamativos, en este momento la pelicula levanta un poco, los momentos de acción funcionan, el humor no termina de embonar, y el drama

no despega hasta la mencionada parte final, por más que Nimona repita una y otra vez ese subtexto-simbolismo de sexualidad diferente de la prota, en pocas palabras no es la maravilla que algunos pregonan, pero tampoco el desastre que otros mencionan, claro que si tiene algunos fallos, ademas de los mencionados la animación de los decorados en el inicio es terrible, la relación de pareja gay no aporta nada la cinta, por el contrario estorba al quitarle tiempo a Nimona, y los simbolismos se imponen sobre la narrativa en la primer hora de la cinta, eso si, la lograda relación de amistad, las expresiones faciales caricaturadas de la protagonista y su gran carisma y ese final la vuelven un recomendable visionado.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Island in Between

"ISLAND IN BETWEEN" ("ÍDEM", TAIWAN, 2023) DE S. LEO CHIANG

Más que documental parece un reportaje amateur, o una especie de crónica de viaje con todo y voz en off de su protagonista, y es que prácticamente no existen los aspectos cinematográficos en este corto documental que peca de sencillo, en cambio se nos muestra una historia, o mejor dicho un lugar, que casi nadie conoce, es decir la isla Kinmen que esta en medio del territorio chino y el taiwanes por lo que solo una fina linea divide a los países y por ende las personas que viven ahí están entre confundidas y siempre a la espera de un conflicto que ni siquiera entienden, el mismo Chiang lo vivió de pequeño, su padre formo parte del ejercito, y el gobierno los alentaba a destruir chinos, como se fue a EU dejo atrás ese sentimiento, pero al volver nota que todo sigue prácticamente igual.

Y aunque se dice la información obvia del sistema chino como dictadura, tampoco se deja de lado la manipulación de Taiwan por contar su historia, desde el uso de la cantante más popular del país dando mensajes políticos a través de un sistema de bocinas gigantes que se iluminan, la pegajosa y bonita canción que le sigue, y por supuesto la peligrosa visita a China donde Chiang descubre que las personas no viven como se las habían vendido, tienen cierta libertad, se parece a la forma de vida de ellos y hasta corean las canciones de la cantante, al final todo el asunto aunque algo desordenado no deja de ser interesante, una carta de amor a tres países tan incongruentes como la humanidad misma.

Calificación: Regular

Cinecritica: Maestro

"MAESTRO" ("ÍDEM", EU, 2023) DE BRADLEY COOPER

El maestro del titulo, es decir el judío-americano Leonard Bernstein (esforzado Bradley Cooper con nariz postiza) esta dirigiendo una orquesta en medio de un templo, nada menos que su obra magna "Misa", uno escucha la música y de inmediato cae rendido ante ella, es la obra de Bernstein, y tenemos una buena escena con un Cooper comprometido, por desgracia esta escena - que es la mejor de la película -  son solo momentos esporádicos en medio de una biopic convencional que comete los mismos errores de la mayoría de este genero, es decir, respetar en demasía a su protagonista por lo que en lugar de ser personas normales parecen iluminados que siempre son ególatras, y por el otro, que la historia de amor/fraternal/familiar/paternal opaque la profesional que es por la que finalmente son famosos y la razón de porque vemos estas películas, para conocer más de estas personas, de como llegaron a ser lo que son, como crearon su leyenda, y lo que batallaron para lograr sus metas, pero aquí como en muchas cintas a sus creadores les importa poco el legado musical del legendario musico por lo que lo pasan de ladito.

En lugar de eso se enfocan en su turbio matrimonio con su sufrida esposa Felicia Montealegre (Carey Mulligan, fantástica) que tenia que aguantar su genio, sus indiscreciones con múltiples hombres, y su obvio alejamiento emocional, todo esto para convertirse en una luna que admiraba de manera inconmensurable el astro que era su marido, que la llevo a dejar su carrera, su amor propio, y su dignidad, y lo que es peor, que esto se muestra como una historia de amor, un romance, cuando no podría ser más toxico y misógino, pero bueno, quizá yo no entiendo el amor como las féminas, en tanto Bernstein no pasa de mostrarse como un egocéntrico genio polifacético que sufría por no poder salir del closet (se supone) y al que apenas conocemos y menos entendemos, por el contrario la película es de Felicia, y es una pena, porque uno queda con ganas de saber más de la música del maestro.

En cuanto a Cooper queda claro que ha crecido como director, tiene algunos buenos momentos, la escena inicial, la mencionada del templo... pero son pequeños destellos, sus transiciones son buenas sin llegar a más, y el uso de la fotografía primero en blanco y negro con formato cuadrado para ir cambiando conforme a las épocas que se nos muestran son impecables en el aspecto técnico pero carecen de un verdadero sentido artístico, y la narrativa tiene saltos muy extraños que hacen perder el hilo, la paleta de colores es buena, y el maquillaje esta muy cuidado, el detalle como ya apunte, es que uno sabe conociendo lo mismo de Bernstein que cuando entro, si acaso uno aprendió algo es que era un calenturiento de primera que no diferenciaba entre hombres y mujeres, y que su mujer era la muestra viva de mujer sufrida viviendo en la sombra de su marido para que este tuviera un éxito que jamas seria capaz de compartir con ella, una biopic que se siente como oportunidad perdida.

Calificación: Regular

Cinecritica: El Conde

"EL CONDE" ("ÍDEM", CHILE, 2023) DE PABLO LARRAIN

Una monja (Paula Luchsinger, muy bien) baila con el viento impulsándose en los techos mientras vemos el hermoso cielo en blanco y negro de la fotografía de Edward Lachman, la monja Carmen danza hermosamente, como si fuera un bebe dando sus primeros pasos, apenas puede moverse, lo hace torpemente, pero es hipnótico, esta es justamente la mejor escena de la más reciente cinta de Larraín, y justo por este tipo de escenas - esta danza etérea, otro bailecito en pareja, la masacre de corazones arrancados y licuados inicial mientras el conde vuela por las noches de Chile, el vuelo nocturno en traje militar, y los múltiples interrogatorios hilarantes al mismo Dictador Pinochet (Jaime Vadell) y su familia por parte de la contadora/monja Carmen dizque encubierta es que merece la pena revisar esta cinta del director, que parte de una arriesgada premisa que resulta muy obvia de entender, Pinochet en realidad es un vampiro de cientos de años, sigue vivo y por lo tanto se sigue alimentando del pueblo chileno mientras los masacra y ademas tiene seguidores que lo admiran.

La premisa es una critica al dictador, pero mas allá de la postura política del director, lo cierto es que no logra atinar una buena historia, después del planteamiento no sabe que hacer con sus personajes, el dictador que ya no quería vivir es si acaso el único que tiene algo de lógica dentro de este sinsentido, porque su aun más inescrupulosa mujer (Gloria Münchmeyer) va dando tumbos, y sus ladinos y mantenidos hijos se estancan en buena parte de la cinta, en tanto el mayordomo y seguidor Fyodor (Alfredo Castro) solo hace lo que le conviene al guion para avanzar, y la mencionada Carmen tiene tantos cambios y variables que uno nunca sabe bien a bien que sucede con ella, que piensa, o como espera lograrlo, ya que sabemos que quiere hacer - matar al dictador y robar sus riquezas, sus jefes la mandaron para esto - pero mucho de lo que hace parece afectar estas metas, así que la cinta va dando tumbos, quizá por ello la voz en off de cierto personaje sorpresa (Stella Gonet), no me molesto, era lo único que indicaba como avanzaba la trama.

Eso si, la película nunca deja de ser interesante, que si Pinochet vivió en la Francia monárquica y deserto para observar como ejecutaban a Maria Antonieta, que si juro luchar contra los levantamientos sociales, que si quiere morir porque se siente traicionado por su país, que si sus hijos quieren matarlo para heredar antes de morirse, que si la esposa quiere convencerlo de una vida nueva, y la llegada de cierta invitada que da cierre a la cinta, uno que tiene más calidad que la misma, donde ahora si el director aterriza su punto, el problema es que esta sátira esta carente de filo, de ideas, se valentía, no se anima o no tiene la capacidad de hacernos reír, y eso es un detalle fatal en una cinta de estas características, por el contrario si tiene algunos buenos momentos de terror, y la violencia gore no se escatima, viéndose hermosa en esa fotografía, una cinta que pudo ser mejor, cuya idea prometía más, y que con perdón de Larraín, pareciera que toda la culpa de lo malo en Chile es de una única persona, y eso es casi exonerar a todos los secuaces, algo que también se extraña en una cinta que quiere y no puede.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Supervivientes de los Andes

"SUPERVIVIENTES DE LOS ANDES" ("ÍDEM", MEXICO, 1976) DE RENE CARDONA

Desde el poster queda clara la posición de esta película sobre el accidente de los Andes, y los jóvenes que vivieron, tiene escrito ¿fue una epopeya de la supervivencia o un siniestro acto de canibalismo? y la imagen nos muestra una persona arrastrando un cadáver desnudo, dejando claro para que lo quiere, sumado a esto su sinopsis dice barbaridades como "cuando el hambre aprieta", pero esto es justamente lo que el director de serie B y Z Cardona ofrece, tiene una escena de minutos de alguien cortando la espalda de un cadáver con una agilidad digna del mejor carnicero, mostrado en un close up que apela por nuestro morbo, los chicos comiendo carne a cada momento, y ese debate/discusión de si deben comer carne o no que en lugar de ver a unos jóvenes discerniendo sobre algo tan complejo con diálogos realistas parece intercambio de discursos de la cámara de diputados.

Y es que resulta francamente ridículo que uno diga la idea explicando que solo así van a sobrevivir y se tire un rollo de la importancia de una alimentación completa, casi casi decía saludable, otro un rollo religioso, y así vaya pasando de uno en uno mientras la cámara se acerca a sus rostros, es de risa loca, lo mismo sucede con las supuestas pausas dramáticas como las que hace el militar encargado que es capaz de soltar la pregunta de como van a sobrevivir... pausa.... si siguen vivos... pausa... si el avión no llevaba comida... casi casi ponen el tan taaaaan al final de esa ridiculez, la escena del choque es bastante discreta pero es de lo menos malo, la avalancha si es de pena ajena, y cuando salen del choque uno casi voltea a otro lado cuando ve la "nieve" de hielo seco o nieve carbónica, ya que vemos hasta la forma de las bolitas mientras los chicos (con algunos actores ya grandecitos) se tiran "dramáticamente".

Podría seguir con los defectos, actuaciones dignas de novela de televisa, efectos especiales sacados de chabelo o chespirito, locaciones donde uno ve la pared a dos metros detrás de los actores, un sonido nada cuidado, y una narrativa sin sentido que omite casi todo lo importante de la historia principal, por lo menos le pone algo de ganas al mostrar los intentos de los familiares, padres, y autoridades por encontrar a los jóvenes, las protestas, expediciones y recaudaciones, pero esto queda en nada por la misma falta de profesionalidad que empaña la película, que solo tiene la gracia de salir muy poco tiempo después del suceso real, pero cuando llegan esos helicópteros de dos asientos a rescatarlos queda claro que solo se quiso sacar dinero con el morbo del "canibalismo" y hacer algo bien ni les paso por la mente, una desgracia y falta de respeto.

Calificación: Terrible

Cinecritica: La Sociedad de la Nieve ¿Quiénes Fuimos a la Montaña?

"LA SOCIEDAD DE LA NIEVE ¿QUIENES FUIMOS A LA MONTAÑA? ("ÍDEM", ESPAÑA, 2024) DE MANUEL ROMO

Un interesante detrás de cámaras o ¿como se hizo? sobre la película de Bayona que muestra algunos aspectos fundamentales de como se logro el popular largometraje, la tercera recreación de los supervivientes de los Andes que como se nota aquí tuvo un gran trabajo detrás y mucho tiempo de planeación, vemos algunas entrevistas al director y productores, de algunos encargados de aspectos técnicos y la selección del impecable reparto donde la mayoría se emociona de gran forma, casi como sin creérsela, pero lo más interesante del asunto es ver como se lograron los aspectos técnicos y de producción, como las locaciones, algunas grabadas en los Andes por lo que la sola belleza y fuerza de las imágenes que proporciona la naturaleza le dan puntos extras ala cinta, pero al mismo tiempo sabemos que es más difícil grabar en esos lugares, y otros más en la Sierra española.

Y vemos los aviones que se usaron durante la cinta, el primero para el avionazo con todo y movimiento para recrear la grandísima escena del choque, el segundo para la avalancha y esas salidas desde abajo donde los chicos tenían que escarbar en realidad para poder salir a respirar en unos centímetros que se sentían eternos, el que esta totalmente desvalijado, y los efectos de nieve que se ven siempre realistas, así como también se ve realista y hasta doloroso el logrado maquillaje, y mención especial, a esa manera en la que los actores se entregaron de tal forma que perdían kilos y kilos de peso mientras avanzaba la grabación en forma secuencial para que se notara la perdida de peso y que sintiéramos como espectadores que se acercaban a la muerte, resulta algo raro que no se hable de la banda sonora, pero los aspectos técnicos, el sentimiento de compañerismos y camaradería, y la entrega de todos con un Bayona muy centrado hacen que sea un acompañamiento perfecto después de revisar la cinta "La Sociedad de la Nieve" en una sola tarde.

Calificación: Competente

Cinecritica: La Sociedad de la Nieve

"LA SOCIEDAD DE LA NIEVE" ("ÍDEM", ESPAÑA - CHILE -  URUGUAY - ESTADOS UNIDOS, 2023) DE J.A. BAYONA

El 13 de Octubre del 1972 un avión militar uruguayo con un equipo de rugby se estrello en lo más profundo de los Andes, 45 personas de las cuales solo sobrevivieron 16 en el larguísimo trascurso de 72 días a más de 4000 mil metros de altura, este hecho fue considerado un milagro en su momento y también causo irritación/morbo/admiración por lo que tuvieron que hacer estos jóvenes para sobrevivir, es decir, la antropofagia a la que se vieron obligados con tal de sobrevivir y que desde las fotografías del rescate asomaba cual fotograma de terror, la versión de Bayona no rehuye a esto, muestra lo más escabroso de la historia de los supervivientes de los Andes, pero lo hace desde el respeto, mostrando la resiliencia, la fuerza de espíritu y el deseo de supervivencia instintivo, obligado en la naturaleza del ser humano, en lugar de mostrarlo como algo morboso o escandaloso como lo hiciera la pésima cinta mexicana "Supervivientes de los Andes", donde el hecho de cometer antropofagia se muestra como vil canibalismo con largas escenas que tienden al amarillismo.

En lugar de eso Bayona prefiere mostrar poco, sin rehuir del tema, porque claro que para sobrevivir, los jóvenes uruguayos tuvieron que comer a sus compañeros, amigos y familiares, pero esto lo hicieron desde el respeto y el agradecimiento, desde la discusión para hacerlo esto resulta así, un debate que nunca cae en la exageración, los gritos, o discusiones filosóficas de eruditos, sencillamente son unos jóvenes conscientes de que necesitan proteína si no quieren fallecer, empujados por dos de ellos que quieren sobrevivir a como de lugar, después de este realista debate/discusión pasamos a la forma en que solo 2 de ellos cortaban la carne y otro elegía los cuerpos, quitando así, el peso de la culpabilidad a los demás, y a la naturalidad con la que después ocurre, ya que para ellos se volvió tan común como tomar el agua que les otorgaba la nieve derretida, todo se muestra sin un ápice de polémica, privilegiando el deseo y la lucha humana por sobrevivir.

Sea de Fernando "Nando" Parrado (Agustin Pardella) que perdió a su madre y hermana pero entrena diario consciente de que de ellos mismos depende salvarse, sea de un medico - Roberto Canessa (Matías Recalt) que toma decisiones valientes, y hasta de un luchador Numa Turcatti (Enzo Vogrincic) moral que al final se rinde ante la realidad, todos desean vivir, y luchan por ello, tanto así que el invencible Nando en cierto dialogo clave y a punto de otra expedición suicida para encontrar ayuda les suelta a sus camaradas de la sociedad de la nieve que les da permiso de usar los cuerpos de su madre y hermana para que vivan, estos grandes momentos, junto al conocido toque humano del director, una producción impecable con locaciones reales, y dos escenas fabulosas, la del accidente por un lado que es una maravilla de suspenso, tensión y horror que se siente tan real que uno ya se la piensa para subirse a un avión, y la de la avalancha que duele y desespera a partes iguales, lo que es todo un logro cinematográfico, hacen que quede claro que estamos ante buen cine, donde los hermosos parajes parecen el cielo y el infierno al mismo tiempo, de esas historias que entretienen y duelen a tiempo que nos dan valor para afrontar la vida, si pudieron sobrevivir a eso, uno puede con lo que enfrenta diario, but of course.

Calificación: Bien

Cinecritica: Misión: Imposible: Sentencia Mortal - Parte Uno

"MISION: IMPOSIBLE: SENTENCIA MORTAL - PARTE UNO" ("MISSION: IMPOSSIBLE - DEAD RECKONING - PART ONE", EU, 2023) DE CHRISTOPHER MCQUARRIE

En un momento clave de la más reciente cinta de la longeva saga "Misión Imposible" el ingobernable héroe Ethan Hunt (Tom Cruise con un personaje que ya es suyo) es interrogado por una de las villanas del filme, ¿por que le perdono la vida? a modo casi de inevitable venganza, y también entre lineas ¿por que no acabo con ella para poder salvar a cierta persona? Hunt no responde nada frente a esto, no tiene porque, para él lo que hizo es lo lógico, lo moral, lo ético, vio en ella algo de humanidad y por ende nunca quiso lastimarla, frente a esto la villana se desmorona, su rostro lo demuestra, ¿por que diablos tuvo que enfrentarse contra un tipo que en realidad representa a un verdadero héroe? a este nivel a llegado el personaje de la saga, un hombre que representa lo mejor del ser humano, capaz de los más grandes sacrificios, dispuesto a todo, confiando en los demás, teniendo fe en la humanidad, y siendo tan profesional que cuando uno lo ve piensa en ir al día siguiente al trabajo y hacer lo mejor posible, no salvaremos el mundo, pero eso es ser un héroe hawksiano.

Y así como Ethan piensa y representa esto, es lo mismo que piensa y representa Tom Cruise, el protagonista de la saga, el verdadero artífice de esta franquicia, se apropio de ella y no puede dejarla ir, porque eso significaría convertirla en algún serial para sacar dinero fácil, algún estreno en plataformas que no le harían justicia al cine de verdad, y la profanación de usar - y usarlo - para vender algún discurso político o progresista, el ego de Cruise no lo permitiría, el mismo ego que le permite saltar desde un acantilado a la nada desde una moto con paracaídas pero sabiendo que es completamente suicida, y no hacerlo solo una vez, sino las necesarias para que la toma sea perfecta, es decir, el ego, el narcisismo de Cruise, es al mismo tiempo su carta de amor al cine y a los espectadores, Cruise es capaz de jugarse la vida a cada momento porque sabe que así cada fotograma sera genial, que despertara emoción en el respetable, que la escena sera memorable, que la película permanecerá en la memoria y porque le tiene respeto al arte del cine, y por ello pone su vida en juego para realizarlo, para regresarle algo de lo que le ha regalado, y lo que queda es cine en estado puro.

Y uno desde la butaca no puede evitar sonreír como bobo (estoy seguro que así lo notaria el que me viera visionándola), reírse a carcajadas después de un buen chiste, emocionarse con las escenas de acción, encajar un ¡ouch! después de cierto golpe bien dado, sufrir con el drama, derrumbarse por alguna muerte, morderse las uñas en las escenas de tensión y hasta gritar emocionado después de alguna hazaña formidable que parecía impensable, o mejor dicho, imposible de lograr, y que sabemos, porque se nota, que lo hicieron en realidad, porque en la cinta de McQuarrel las peleas son de verdad, los saltos son auténticos, si tienen que manejar por las calles en un pequeño fiat amarillo se hace, si se tiene que pelear en algún cerrado callejón se aprende la coreografía y se empalman buenos golpes, si se tiene que pelear arriba de un tren a máxima velocidad se aguanta el viento, y si se tiene que saltar desde un acantilado en moto... pues lo hacemos, ese es el grado de profesionalidad que tienen Cruise y su equipo, el extendido reparto y todo el equipo técnico que parece ser inspirado - u obligado - por la brillante estrella, quizá la única resplandeciente en un firmamento que casi se ha apagado por completo.

Y a todo esto, de que va la historia, porque las escenas de acción no son lo único valioso de la cinta, Ethan debe encontrar dos partes de una llave que abre algo que nadie sabe que es ni donde esta, una de las partes ya esta en manos de su aliada/contrincante Ilsa (Rebecca Ferguson) a quien persigue por el desierto, para luego pasar por una enrevesada parte de un aeropuerto donde conocemos a la ladrona Grace (Hayley Atwell, bien), pasamos a una desternillante persecución en Roma, pasamos a una fiesta en Venecia donde regresa la viuda blanca (una bienvenida Vanessa Kirby), una dolorosa persecución donde una menuda villana sigue dando lata (Pom Klementieff), y un enfrentamiento en un tren que parece no tener fin ya que hasta que termina nos deja respirar, ademas regresando a dos personajes icónicos de la saga como son Benji (el carismático Simon Pegg) y Luther (Ving Rhames), sumado a ellos tenemos a las caras del gobierno encarnadas por el maquiavélico Kirrtridge (Henry Czerny) y el ambicioso Delinger (Cary Elwes).

El villano de ocasión es Gabriel (Esai Morales) que tengo que admitir que aunque lo hace bien queda muy lejos de los mejores villanos de la saga, lo que si es que esa inteligencia artificial que casi es un virus informático indetenible, aunque carece de carisma si da miedo, en especial en el mundo en el que habitamos en la actualidad, con las inteligencias artificiales amenazando los trabajos y la forma de vida del mundo entero, es casi como si Cruise empezara su propia cruzada personal contra esto, contra el mismo hollywood, y el gobierno que esta irremediablemente compenetrado con las sucias industrias y solo

quieren poder, quizá por ello la cinta fue un fracaso de taquilla, aunque la historia es sencilla y las más de dos horas y media se pasan volando toca temas escabrosos y actuales que no agradan a muchos, pero de esta manera llegamos a los villanos actuales, que son más peligrosos pero más sosos que los de toda la vida, por lo menos sabemos que mientras Hunt nos proteja podemos estar tranquilos, ya que como dice en una linea clave, no promete proteger a sus amigos, pero "sus vidas siempre me importaran más que la mía", con un héroe de verdad como Ethan solo queda apoyarlo, como a su contraparte en el mundo real, el incombustible Cruise.

Calificación: Notable